Strano, grigio-triste, nichilista, pulsante, instabile nel mostrare emozioni, simile a una trance, avvincente, a volte incomprensibile, mescolando suoni alternativi con melodie progressive, nostalgiche, espressive e sommesse allo stesso tempo, piene di voci di speranza e disperazione, vibranti dell'enormità delle emozioni contenute. Queste sono solo alcune espressioni che si possono formulare dopo aver ascoltato l'ultimo album del gruppo italiano prototipoLAB - "Unboxing Memories". A questa raccolta si potrebbero aggiungere altri termini giornalistici: alternativo, post-rock, atmosferico o progressivo. Tuttavia, temo che non rispecchieranno pienamente il contenuto di questa produzione "non ovvia". Quest'anno, almeno per me, è pieno di album "non scontati"... cioè che superano i confini tra stili e modi di suonare. Quando ascoltiamo gli album, dobbiamo essere pronti a rivedere le nostre preferenze musicali quando esposti alla musica che ascoltiamo. L'album "Unboxing Memories" è proprio così. I musicisti cercano di trasmettere il rapporto tra tempo, memoria e identità, combinando virtuosismo musicale ed emozione cruda. Questo album raggiunge gli aspetti più profondi dell'esistenza, intrecciando riflessioni sulla vita, sulla morte, sull'amicizia e sull'amore, sottolineando il contrasto tra passato e presente, tra ciò che è stato e ciò che resta impresso nella... memoria. Cerca di disfare le valigie musicalmente, di aprire la sua memoria per guardare i momenti vissuti con occhi nuovi, di nuovo, nel mezzo della malinconia, della consapevolezza di sé e dell'accettazione di sé. Alcune canzoni evocano frammenti del passato che sgorgano con forza dentro di noi, mentre altre si concentrano sulla distanza fisica ed emotiva tra le persone, sul senso di perdita e sull'incapacità di fermare il tempo.
Questo è un album molto "non ovvio".
E anche se la band in sé non è un debuttante, immagino che "Unboxing Memories" possa essere trattato come una sorta di debutto in una nuova formula. prototipoLAB esiste dal 2010, ma solo nel 2015 ha registrato il suo primo album - "Mea Culpa". Il debutto è stato notato. Metaliltalia.com ha scritto a riguardo: "(...) Gli arrangiamenti sono raffinati e gli schemi ritmici funzionano bene nella title track (...) gli accenti del pianoforte sono encomiabili, anche se sembra che suonare al sintetizzatore sia quello che attira maggiormente l'attenzione." Tuttavia, abbiamo dovuto aspettare dieci anni per il nuovo album.
Già il primo degli otto brani dimostra la non-ovvietà dell'album. "Vlad" è teoricamente l'eroe narrativo della canzone, ma allo stesso tempo è una creatura enigmatica, perché il primo Vlad è un ladro di biciclette, il secondo Vald è un ladro di altri oggetti, e Vlad con il numero tre "(...) era coraggioso e orgoglioso, molto orgoglioso, è finito su un'isola con tutta questa sabbia e palme. Non l'ho mai più visto né sentito, forse è stato rubato o rapito dagli altri Vlad. La canzone liricamente sovversiva è accompagnata da musica pulsante, leggermente grigia e oscura. Inizialmente calmo, accompagna la storia raccontata. Più tardi, una più forte, alla Porcupine, con accordi di chitarra chiaramente marcati. E allo stesso tempo, riferendosi alla perversità di questa canzone e... dell'intero album, affascina con un assolo di chitarra melodico a partire dal terzo minuto. E chi è esattamente Vlad? Quanti Vlad ci sono intorno a noi? Per favore, guardati intorno.
L'ironia del testo e, soprattutto, una canzone rock con una chitarra grintosa: così si potrebbe riassumere la seconda canzone dell'album. “Dear Mad Master” è la storia di un capo immaginario – “Bello, fantastico, meraviglioso, meraviglioso. Figlio del peggior pop rock italiano. Si prega di prestare attenzione alla parte finale: la collaborazione della chitarra acustica con quella elettrica.
La terza composizione inizia in modo completamente non rock: "In A Box". “(…) Ho messo tutto quello che avevo in una scatola. Tutto quello che ricordo. Ho messo tutto quello che avevo nella scatola. Ho spostato i miei sogni dentro. Ci metto il mio futuro. Adesso sono esausto e vuoto perché tutto è lì, messo lì…”. Questa composizione è un insieme musicalmente calmo e prevedibile con una linea melodica sommessa e tranquilla interrotta da un assolo di chitarra più forte. Questa composizione è anche una storia triste sui sogni sepolti, sul fatto che qualcosa potrebbe accadere, potrebbe accadere, ma... giace da qualche parte sepolto in fondo alla scatola con sogni non realizzati.
Probabilmente hai già sperimentato delusioni a causa dei social media. La canzone successiva - "Red Fire" - è dedicata a questo problema. Voci arrabbiate sullo sfondo di una chitarra leggermente metallica sono "mescolate" con melodie liriche e testi pieni di delusione per le bugie, il motivo per cui è la ricerca di più Mi piace.
"No Time" è una delle canzoni più lunghe. Dura più di otto minuti e inizia con un'introduzione strumentale di quasi due minuti. Questo è uno dei miei preferiti con un bellissimo assolo di chitarra e tristezza vocale - "(...) Mi pento di quello che ti ho fatto nella mia vita." Affascina con la bellezza dell'assolo del sintetizzatore a partire dal quinto minuto, evocando un'atmosfera ambient-elettronica.
La canzone "Massima Espressione Emotiva" inizia con una citazione dalla prosa di Julio Cortázar: "(...) Amare è creare poesia, con il tuo corpo e la tua mente, con tutto il tuo essere." Queste parole sono portate sullo sfondo di una musica a volte gentile, a volte leggermente nervosa. È una canzone di quattro minuti ben arrangiata e suonata.
La penultima composizione, dedicata alla guerra e al suo impatto devastante, inizia in modo lunatico e calmo con una nota di riflessione. Questa è gentilezza apparente. “War Picture” descrive occhi spaventati, fumo che sale dalle finestre, arti spezzati e lacrime di bambini macchiate di terra. Ogni verso è scandito dal ritornello "E polvere nel vento", sottolineando la natura inesorabile della distruzione e l'esistenza transitoria dell'umanità. Nella parte centrale compaiono chitarre taglienti e la linea del contrabbasso imita il suono delle mitragliatrici, immergendo l'ascoltatore in una vivida rappresentazione sonora della guerra. Le esplosioni sonore che seguono evocano il caos del conflitto e aumentano la tensione emotiva. Dopo questo frammento pieno di violenza musicale e distruzione, la canzone ritorna su suoni più delicati, la musica svanisce, creando spazio per un assolo intenso e malinconico, che conduce l'ascoltatore alla conclusione: il dolore che rimane dopo la guerra e la violenza.
L'album si conclude con un brano strumentale - "Leo" - composto e suonato dal chitarrista della band Fabrizio Andreani, dedicato a suo figlio. È anche un modo perfetto per concludere tutte le storie raccontate nei testi. Forse la mancanza di parole, il tempo per pensare senza parole alla situazione in cui una persona si trova, è la soluzione migliore quando entriamo quotidianamente in contatto con la realtà che ci circonda? Forse la riflessione senza parole ci renderà diversi, migliori, e il mondo intorno a noi sarà più pacifico e più per noi, "per le persone" nella sua vita quotidiana?
Mi piacciono gli album come questo. Rompere la monotonia degli schemi musicali e allo stesso tempo restare all'interno di questi schemi di arrangiamento. Combinare il fuoco con l'acqua, il potere con la pace, il metallo con l'ambiente. Riflettendo sulla triste, grigia, allegra, gioiosa, blanda, allegra quotidianità e sui suoi problemi. Se è fatto in modo musicale pienamente professionale, non puoi desiderare niente di più. Signori: Andrea Fenili (voce, chitarre), il già citato Fabrizio Andreani (chitarre, voce), Stuart Franzoni (batteria) e Giulio Rimoli (basso) hanno registrato un ottimo album. Ascoltarlo richiede concentrazione, ma regala anche tante impressioni ed emozioni diverse. E immagino che sia questo il punto. Perché la cosa peggiore che potrebbe succedere è se non sentissimo nulla dopo aver ascoltato l'album. Nel caso di questa pubblicazione, questa non è una minaccia per te.
